El esperado regreso de la conductora, trajo también la insperada decisión de suspender su programa. Temporada que, según declaró, será dedicada para recuperarse de la experiencia vivida estos últimos meses en prisión.

Lo último que muchos hubiesen esperado actualmente es que algún nuevo revival generara un culto tan acelerado como el que viene gozando esta banda de Seattle durante estos meses. Pero no se crea que todo ello es producto gratuito (aunque no se extrañen que la palabra hype se deje escuchar dentro de poco). Fleet Foxes es una de las bandas más interesantes y talentosas surgidas en el espectro musical del 2008. La suya no es una propuesta que vaya ha marcar tendencias, la verdad hasta se los puede considerar unos kamikazes aún dentro del circuito indie, sin embargo no hay nadie que se resista a esa mágica alquimia de voces e instrumentales básicos que parecen rogar por algo calma para que los sentidos capten esa órbita de lo esencial. Un largo racconto de los lugares y los días que hacen la tradición y los mitos.

La primera sensación que me deja este primer disco homónimo es lo muy aplicados alumnos que son de Robin Pecknold y compañía, de la más pastoral versión del hippismo. Procesan el folk, y las trovas tradicionales, con el pop más vocalmente depurado en sonidos y mascotas de los eternos The Beach Boys. El resultado, no necesariamente es original pero tampoco es anacrónico. Todo lo contrario. Lo fascinante de este quinteto es el grado de inmersión en el que se encuentran con ese estilo propio de un cuadro provinciano y sincero, lleno de lugares espaciados y sus ecos, donde las leyendas se transmiten y transforman hasta ampliar tremendamente el terreno de las sugerencias. Desde ese punto de vista, este es un disco absolutamente genial, arriesgado y de insólita madurez. Hasta cierto punto no deja de tener un aire de sencillez y seguridad manifestado en la misma imagen de Los proverbios flamencos de Brueghel en la portada. Nada que ver con el pretencioso uso de Delacroix en el último disco de Coldplay.

White Winter Hymnal

Con un estilo nada complaciente, Fleet Foxes puede darse el gusto de capturar tu atención desde el primer momento en el que ese aire campirano se desata en el coro de Sun It Rises. Todo en este disco exuda una extraña serenidad, que sino hiciera alusión a las maravillas de la naturaleza una y otra vez, llamaría sepulcral. Tal vez no en el sentido más sombrío del termino, aunque ese toque inquietante no puede dejar de contagiarte como ese cuadro exploratorio en el cual el niño se encuentra a la entrada de una gran y oscuro bosque donde ruidos indeterminados hacen las veces de cantos de sirenas. Mucho tiempo hace que no escuchaba algo un disco de reminiscencias pop que fuera a la vez expresión de algo tan primario.

Estuve siguiendo las cajetillas,
todas tragadas en sus abrigos,
con pañuelos de rojo atados a sus gargantas,
para mantener sus cabecitas,
a salvo de caer en la nieve,
y yo volteo ahí vas,
y Michael, tu deberás caer,
y volver la blanca nieve roja como las fresas,
En el verano…

Aún faltará seguramente que estos cultivadores de la tradición y sus misterios, se esmeren en entregar algo más para confirmar su contundente aparición a la vista de los todavía escépticos. Mientras tanto el resto seguiremos gozándolos en este disco cargado de una peculiar espiritualidad como en Meadowlark, el corte más folk de los once que lo componen. La sensibilidad de este grupo no viene a ser la misma que la de la era Dylan, y así es como tiene que ser. La suya es una proyección muy propia e intransferible de aquella cultura que asemeja sombras en los prados desvaneciéndose en los terrenos de la utopía. Ahí esta la bellísima He Doesn’t Know Why, esa canción perfecta para definir algunos de estos paisajes sonoros como parte de un horizonte atemporal, ni de antes ni de ahora.

En el bosque agitándose,
donde los perros temblorosos reposan,
nuestro buen padrino,
construyó un nido de madera,
y el río se congeló,
y el hogar se llenó de nieve adentro,
y la luna amarilla brilló,
hasta la luz mañanera

He Doesn’t Know Why

Blue Ridge Mountains

En plenos rumores sobre su candidura a la presidencia peruana, Bayly entrevistó a Pedro Pablo Kuczynski. Una conversacviónmenos chabacana que otras veces, tal vez hasta aburrida para la mayoría. Pero no están demás momentos sobrios como este, en la televisión.

Luego de varios años y accidentes como su abortado proyecto por hacer una nueva ópera con la historia de Alejandro Magno, el oceánico director Baz Luhrmann vuelve al ruedo con una superproducción en la que intenta probar nuevamente su sensibilidad postmoderna y lúdica. Fórmula que resultó en un estilo no poco identificable y celebrado que tenía al teatro y al video clip como influencias decisivas. La irresistible Strictly Ballroom había sido su única (y mejor) contribución a la cinematografía de su país. Ahora nuevamente tenemos una película suya ambientada en la isla continente, y como el reencuentro lo amerita, nos encontramos ante una cinta elefantiásica, incluso más que lo había sido la fastuosa y digital Moulin Rouge.

Pero hay algo distinto en esta oportunidad. Será acaso por que este hijo pródigo regresa desde la gran maquinaria y con toda su gama de recursos y producción, pero esta visión romantizada de Australia carece, de lejos, de la frescura de aquella película inicial. Es más, se la puede considerar como un autentico fracaso. No es que adolezca de las pretensiones y el preciosismo de antes, pero esta pretendida historia épica de largo aliento esta concebida con un recetario ajeno al cual el esforzado director parece no adaptarse en ningún momento. Lástima porque todo parece pintar perfecto: una exaltación a la cultura del país de los canguros, a su memoria ancestral, su riqueza, belleza geográfica, y su valerosa intervención en las grandes causas (con la Segunda Guerra Mundial de fondo).

El gran error de esta producción de más de dos horas y media de duración, es querer decirlo todo y al final no pasar más allá de una mirada superficial desarrollada aparatosamente. A partir de sus anteriores películas, sabemos muy bien que el universo de Luhrmann no se caracteriza precisamente por su profundidad. Lo suyo siempre han sido los juegos explícitamente “brillantes”, virtuosismos se alimentan de las referencias pop, y que navegan constantemente en la vacuidad. Que intente hacer algo distinto esta vez no es su pecado, sino que no lo hace con la convicción o el verdadero interés que la idea anticipaba.

A decir verdad, el comienzo de la película no deja de ser verdaderamente atractivo y ello se debe a que es la parte en la que el mejor Luhrmann –raudo, ligero, y payasesco- se decanta en un estratagema narrativa que hace las veces de un carnaval audiovisual que no tiene reparos en lucir como una suerte de propaganda turística exaltada e irreal. Solo en esos primeros momentos es que la narración maravillada de Nullah, resulta efectiva. Por lo demás, las reflexiones del pequeño mestizo acosado por su condición durante toda la historia, terminan agotándose en el momento en que la seriedad se impone, con todo y Over the Rainbow de por medio. Es la mirada que atraviesa el encuentro de esos dos mundo en conflictiva fusión. Uno representado por el mágico King George y el otro por los dos protagonistas de esta proyectada gesta fundamental.

En pleno delirio referencial, Luhrmann imagina a Lady Ashley y Drover como una revisitación de Lo que el viento se llevó. Ella es la damisela que tendrá que hacerse fuerte en la guerra de la supervivencia y sus sanguinolentos atardeceres celebratorios como una especie de nueva Scarlett en su agreste dominio llamado Faraway Downs, mientras que el otro se convierte en un Rett de nulo abolengo pero tan curtido y presto como intensa se quiere la pasión que surgirá entre ambos. Para cuando este acercamiento se insinúa, la película ya ha decaído en la solemnidad, en toda esa mirada dura hacia la pugna entre los derechos civiles y los de la propiedad, todos encarnados por el villano Fletcher (David Wenham) y el potentado King Carney (Bryan Brown en papel prometedor pero abruptamente sacado de cuadro).

Podríamos imaginar que hubiese sucedido si la película sacrificaba “importancia” por ese desfachatado tono de los primeros quince minutos. Luego de ello Nicole Kidman y Hugh Jackman se preocupan por resultar tan dramáticos y efectivos como lo amerita la ocasión e intención, pero tenemos que soplarnos un pobre intento de cine “más grande que la vida misma”, labor que le queda grande al cineasta, llegando al punto de convertirse en un narrador impersonal al cual no lo salvan ni los momentos más espectaculares como la estampida o los bombardeos japoneses. Todo al final se traduce en una narración apresurada, en la que la corrección política y las “buenas intenciones” hacen más daño que bien a este homenaje que queda reducido al nivel de manual de bolsillo.

Australia (2008)

Las últimas horas del conflicto se han caracterizado por los combates cuerpo a cuerpo. Mientras las tropas y tanques israelíes avanzan, se ha conocido que solo se ha producido una baja en sus fuerzas.

El juego de la modernidad manda que todos aquellos que retoman las recetas el pasado serán medidos de acuerdo a que tan hábiles sean para darle la vuelta, crear una vanguardia o por lo menos una idea fresca que no tiene por que ser contradictoria con las tendencias más populares o masivas. La palabra hype se repite más ahora que nunca, mientras las propuestas se atomizan en el horizonte. Al escuchar a un grupo como The All-American Rejects puede uno percatarse hasta que punto, el ser o no ser parte de una determinada postura, ética si se quiere, es lo de menos cuando tal vez la falta de ambición sea la mejor guía de tu intuición.

Con When the World Comes Down, este cuarteto de Oklahoma parece no querer oír nada sobre aquello que llaman “perspectivas mayores”, o “maduración de estilo”. Si algo de lo que la hornada emo permite en estos días, es que cualquier despreocupado se ponga su insignia y haga de su aparente rebeldía, el mismo relajo que ha caracterizado a todas las demás generaciones que no gozaban del ipod, o de las virtudes tecnológicas que permiten a los fans estar siguiendo paso a paso la chamba y las cochinaditas detrás de la preparación de los nuevos hits. La muchachada que toneó con Swing, Swing y Move Along puede estar satisfecha con ello.

No esperen más profundidad en estas doce canciones, que las que pueden tener dos púberes haciendo alarde de su currículo amoroso. De hecho la banda parece más esmerada en la elaboración y campaña de lanzamiento de sus videos en los que Tyson Ritter siempre luce más con vocación histriónica que otra cosa. Pero dentro de sus limitaciones no puedo dejar de reconocer un acabado instrumental un tanto más interesante (no menos se puede esperar teniendo a zorro como Eric Valentine en la producción). Así es como entre sus pegajosas tonadas se dejan oír arreglos hipnóticos como el arranque wave de Fallin’ Apart o Real World.

Hay un momento en especial que me hizo repetir el disco más de dos veces, ese fue The Wind Blows, una melodía extraña dentro del resto del disco y que me transportó de inmediato hacia los sonidos ochenteros que parecen confirmarse en la memoria de todos estos nacidos en aquella época. Dicen que la actual es una generación ecléctica. No creo que lo sea más que las que la antecedieron, pero si puedo reconocer que si hay un revival ese es el de la referencia a la cultura arribista que proponía Reagan. Basta con escuchar la cachosa Gives You Hell, para estar al tanto de que a estos rechazados de toda América, les viene y va si el mundo se viene abajo. ¿Esta eso bien o mal? Júzguenlo ustedes.

Gives You Hell

Fallin’ Apart

Jett se encontraba de vacaciones en Bahamas junto a su familia. Al parecer, perdió el conocimiento cuando cayó en el piso del cuarto de baño víctima del Síndrome Kawasaki, condición que según sus padres, padecía desde pequeño.

Con The Host (Gwoemul), podemos confirmar nuevamente la preponderancia del cine coreano en el panorama actual. Se trata de una película hecha con una clara intención de convertirse en un blockbuster pero también es una aproximación mayor a las posibilidades del cine de género que frecuentemente lucen un desgaste clamoroso en otras latitudes. El general el cine realizado en Asia es el más interesante a nivel de propuestas y abundancia de variantes, pero es el que se realiza en Corea del Sur el que ha asumido en estos últimos años, una especie de delantera en lo que se refiere a la concepción de una industria plena en despliegues de gran envergadura y de talento fulgurante. Casi una suerte de paraíso creativo como el que todos los cinéfilos imaginan en el Hollywood del pasado. La diferencia es que este momento dorado es asumido concientemente.

Lo interesante es como este puñado de cineastas profesionales y oficiosos pueden ser capaces de retorcer aún más los mecanismos impuestos, deformados y finalmente parodiados en la era de la post modernidad. Aunque parezca mentira, su opción creativa muchas veces se basa en aplicar esas tres fases en las cuales los géneros definidos vieron limadas sus fronteras, ganando a veces mucha mas sofisticación a partir de ello. El director Bong Joon-ho (realizador anteriormente de una impresionante cinta criminal titulada Memories of Murder), deja una lección ejemplar con esta cinta que utiliza una de las fórmulas más populares del cine actual: la moda alien. Con solo esas tres palabras basta para resumir a la mayoría de este tipo de cintas de premisa terrorífica. Ese no es el caso de esta película.

The Host es una película que trabaja a la perfección aquellos ingredientes que en otras épocas y con más solemnidad caracterizaban a las historias bigger than life: amor, lealtad, peligro, acción, y su componente de alarma social o nacional. Esta vendría ser la expresión natural de ese tipo de aventura patriótica o humanista que al otro del océano solo da para pálidos reflejos y reciclajes mercenarios, salvo que se toquen dichos temas con dureza y cierta cuota siniestra (como ha sido el caso de The Dark Knight recientemente). El caso de este huésped del río Han y el alboroto que desata, es mucho más colorido, incluso más dramático y emocionante. La sordidez a la que apela occidente muchas veces termina resultando un recurso facilista y esta película lo pone en evidencia (¡atrás Marcus Nispel con todos tus remakes!)

Los pretextos para el destape del caos son los mismos que las de sus antecesoras, y la película no se extiende más que unos cuantos minutos en ello. La tensión se maneja como la de una maratón u olimpiada, con precisión de mecanismo de relojería en el cual los personajes nos son presentados con la apariencia relajada de un día de paseo. Aplicando la mejor técnica, Bong Joon-ho nos deja asimilar cada singular conducta evitando inmiscuirse notoriamente con alguna originalidad o deformación de la realidad de la que tanto son adeptos los novatos adeptos a la estética videoclipera. Hasta el momento del vistazo al monstruo difícilmente podríamos haber situado ese mundo humorístico alrededor de Gang-Du y su familia, como una antesala del horror. Ese cambio súbito de tonos y ritmos traen a la memoria la inconfundible sabiduría westerniana, a la cual más notoriamente se afilia la película.

En este mundo dislocado y hasta ocurrente en el cual se desata la amenaza destructora y el thriller (en una brillante secuencia de pánico masivo), también hay lugar para la reflexión y las temáticas importantes siempre y cuando mantengan a raya la seriedad o más bien dicho la pomposidad. Siguiendo lecciones maestras el director introduce el tema del riesgo ambientalista, la estupidez social, o el de la ineficacia de la autoridad como protagonistas de los momentos más humorísticos de la velada. Esos cortes tensión hacia el absurdo o la comedia tienen a los actores como piezas fundamentales, principalmente podemos destacar Song Kang-ho (uno de los mejores actores del cine de su país) como el torpe líder de la familia Park. La secuencia del encuentro ante el altar de los desaparecidos, es genial en ese sentido: todos rodeados por las demás victimas y dolientes anuncian el momento de tono más grave en la película, pero esta va trastornándose rápidamente hasta llegar al colmo de lo risible con esos abrazos y llantos dignos de los titulares más sensacionalistas.

Difícilmente se puede desligar a esta sensación a la visión de toda la película. Y eso vale incluso para los momentos más interesantes en los que se resuelven los encuentros con el enemigo depredador. Este villano de apariencia aterradora pero movimientos juguetones asemeja más a una mascota de esos engendros que gustan de reducir uno a uno a los grupos humanos. Es como si se asumiera a si mismo como una mera repetición, una milésima copia que no esta para tantas sofisticaciones o cacerías de placer, este monstruo prefiere ir directo al punto y contentarse solo con tener su nicho de indigente, que dicho sea de paso es el detalle visual que más hace referencia a las películas de su madre espacial.

Tal vez es el desenlace de esta búsqueda aturdida siempre por la mano de la ley, sea un tanto más convencional, pero no por ello deja de ser un clímax estupendo. La idea de que sean solo los marginales o losers los que tengan que hacer frente a la amenaza con verdadera eficacia, dice bastante del nivel no poco trasgresor que se permite el realizador. Los guardianes del orden quedan reducidos a meros especuladores del temor público y capaces de crear auténticos juegos macabros con pretexto de la salvaguarda nacional. Al despreocupado Gang-Du no le quedan al final ni ganas de seguir haciendo atrocidades con su cabello. Solo le quedan el disgusto de tener que hacer zapping cuando aparecen los informes “oficiales” en un noticiero, y el placer de haber acompañado a su familia en un trance donde se pusieron a medida todas sus capacidades y talentos. La idea del grupo en peligro reprocesada por este alumno del cual Howard Hawks podría haberse sentido muy orgulloso.

The Host - Gwoemul (2006)

El cruce fronterizo de Erez viene siendo utilizado desde este viernes para evacuar a más de 400 personas. Durante este breve momento de paz -que antecederá a una ofensiva más cruda- los líderes de Hamas han convocado al “Día de la ira” haciendo un llamado para atacar a Israel. El saldo de muertos hasta el momento es de 420 y al parecer correrá más antes de que se llegue a algún acuerdo.

Chan Marshall ha preferido no dejar de despedir el año de sus reencuentros con lo mejor que le puede ofrecer a su público. Un puñado de temas que se quedaron un tanto rezagados tras la salida de Jukebox hace varios meses. Como fragmentos de su último periodo de creatividad, las canciones que componen este nuevo EP siguen la misma línea: canciones de ídolos de toda una vida, elegidas con cuidado y buen gusto, y a las cuales esta gata al final de la calle, recubre de la hermosa e inquieta madurez con la cual le ha dado un giro a su carrera esta temporada.

Este pequeño gran regalo que es Dark End of the Street me causa las mismas sensaciones evocativas e intimas que la colección más amplia de covers de su hermana mayor. Pero por el hecho de ser una prolongación no quiere decir que deje de ser sorprendente. En este epílogo a su conocida fase de recuperación tras la crisis personal que la acompañó en el momento del fenomenal The Greatest, la chica alias Cat Power nos entrega unos arreglos e interpretaciones insuperables. Si hay algo con lo que encuentro mucha más diferencia ahora con respecto a todo su trabajo anterior, es que su voz ha adquirido una cualidad mucho más estremecedora.

Estos aparentes outtakes son cada uno una gema envolvente, un coqueteo exquisito en el cual esta musa indie pierde totalmente los prejuicios o la vergüenza para rendir tributo sereno a todas las diversas influencias que la nutrieron desde siempre. Suenan entonces melodías de blues, country, y soul, pero todas ellas trocadas por esa depuración tan característica de esta cantante que me hechizo desde aquella inolvidable versión de I Found A Reason de The Velvet Underground, precisamente de otro de sus discos de clásicos revisitados como una especie de carretera 61 en la cual la cantante se siente más que feliz, tal vez solo oyendo los rumores del viento y sus sugerencias. Pasan entonces algunos minutos exquisitos como el del tema clásico tema de James Carr que da titulo al disco, o las radicales transformaciones a Fortunate Son de C.C.Revival; o Who Knows Where the Time Goes de esa otra enigmática reina del canto sensible que fue Sandy Denny.

A primera oída, la última Cat Power parece insinuar la música de salones exquisitos y espacios reducidos. Tal vez por ello puede resultar paradójico que ahora se luzca en los escenarios mucho más suelta que antes, moviéndose de extremo a extremo sin el exagerado aire de la chica tímida o recluida en sus vicios, que se escudaba con la guitarra o el piano. Es por ello por lo que su esencia tan propiamente norteamericana, no deja de causarme la sensación de que este toque de fin de año que pasa por abrazo, sonaría genial para ambientar un viaje por esas carreteras despejadas de película y teñidas por un colorido sol en descenso. No importan que se crucen letras sobre la política, la decepción, o la soledad. Ese oscuro recoveco en el que termina la avenida no necesariamente es el de la claudicación sino más bien el de una incertidumbre controlada ahora por la experiencia.

Dark End of the Street

Who Knows Where The Time Goes